Ein prachtvoller Familienfilm ists einmal mehr, der diesmal auf den neuenglischen Eiländern der Sechzigerjahre angesiedelt ist. Väter sind wie beinahe immer bei Anderson abwesend oder Versager (Bill Murray), neue Vaterfiguren auch nicht unbedingt das Wahre (Edward Norton als Pfadfinder und Bruce Willis als melancholischer Inselpolizist), die Kinder sind schwierig und auch unschuldig (Kara Hayward und Jared Gilman als Ausreisser-Paar) und die Nebenrollen sind wie immer grossartig besetzt (Jason Schwartzmann als Verheirater). Kurz, alles wie immer eigentlich, ausser, dass der Film nicht auf einem U-Boot oder einem indischen Zug, sondern in einem Pfadi-Lager spielt und im Soundtrack die Beach Boys und Kinks gegen Hank Williams und Benjamin Britten und Francoise Hardy ausgetauscht sind.

Und aber auch: So schwer zugänglich und allenfalls unlustig war Wes Anderson noch nie – wie man dann schon mindestens zweimal ins Kino muss, um den Detailreichtum der perfektionistischen Choreografie irgendwie mitzuschneiden (alleine diese Anfangscredits!). Natürlich, das wird die Anderson-Kostverächter wie immer kalt lassen, während die Fan-Presse jubiliert, und sich über das gar dicke Finale in Nachsicht übt, und nochmals eine ausgedehnte Mittagspause ins Kino verlegen wird.
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«Moonrise Kingdom» im Bubenberg-Lunch-Kino bis am Mittwoch, danach im regulären Programm.

Er wisse ja grundsätzlich, wie man ein gutes Porträt schiesse, erklärt Reto Camenisch, aber ihn interessiere halt die Realität und diese Kamera helfe ihm dabei, diese einzufangen. Tatsächlich ist man als Porträtierte ziemlich auf sich alleine gestellt. Man guckt dem Meister zu, wie er um das Kameramonster herumwuselt, daran schräubelt, irgendetwas misst und zwischendurch unter dem schwarzen Tuch verschwindet. Was man genau vor der Kamera tun und wie man gucken soll, das wird einem selber überlassen. Der Herr Camenisch will und kann einem da nicht viel Rat geben, denn was auf den 20 x 25cm grossen Negativen abgebildet wird, sieht er selber auch nicht im Detail und erst noch auf dem Kopf.

Das sei doch eine interessante Analogie zum richtigen Leben, begründet Reto Camenisch sein Treiben. Er schaffe den Rahmen und moduliere die Situation. Wie sich dann ein Mensch darin bewege, sei diesem selber überlassen. Das könne und wolle er nicht beeinflussen. Nun ja. Der Schreiberin tut nun die Hüfte weh vor lauter nicht wissen, wie man sich hinstellen soll. Soviel zum Thema Selbstbestimmung.

Die zehn Porträts, welche Reto Camenisch mit seiner Plattenkamera aufnimmt, werden im Rahmen seiner Ausstellung «30 Jahre Porträtarbeiten» zusammen mit vielen anderen Bildern ab 7. November 2012 im Kornhausforum ausgestellt werden.

Offenbar bin ich nicht die einzige, auf welche diese künstliche Welt aus blinkenden und rotierenden Lichtern eine gewisse wenn auch zwiespältige Faszination ausübt. Sonst hätte Pierre Omer wohl kaum gerade eine Würstchenbude auf dem Jahrmarkt als Kulisse für seinen neuen Videoclip zu «The End of the World» ausgesucht. Obwohl, das wunderschöne Rösslispiel alleine, wäre ja eigentlich schon Grund genug.

Filmisch umgesetzt von Vania Jaikin Miyazaki besingt Pierre Omer da also das Ende der Welt und hat dieses zumindest aus kulinarischer Sicht schon mal eingeläutet.

Pierre Omer und seine Stewarts Garages Conspiracy wird dieses Jahr am Kairo-Gartenfestival (13./14. Juli) live zu hören sein. Mehr zum vollständgen Programm finden Sie bald auf diesem Kanal.

Aber eines, das lernte ich gestern dann doch noch: Auch mit einer 3D-Brille auf dem Kopf kann man Filme wunderbar verschlafen.

Aber musste es erst 2012 werden, damit wir so einen Rundumblick auf die Welt tun können? Durchaus nicht, schon vor 200 Jahren hat man sich an derlei Panoramen versucht. Allerdings ging es damals ein wenig länger, einen 360-Grad-Blick festzuhalten. Fünf Jahre, von 1809 bis 1814, hat der Basler Marquard Wocher am ältesten erhaltenen Panorama der Welt gearbeitet. Es zeigt auf sage und schreibe 285 Quadratmetern ein perfektes Thuner Stadtidyll und steht heute im Schadaupark.

Einen Besuch ist das Thun-Panorama vor allem deshalb auch heute noch wert, weil das alte Gemälde mit immer neuen Sonderausstellungen ergänzt und kontrastiert wird. Derzeit spielt der Zürcher Illustrator Ingo Giezendanner (alias GRRRR) mit der musealen Thun-Beschaulichkeit, indem er ihr die Tunis-Lebendigkeit gegenüberstellt. Giezendanner hat eigens für den Ausstellungsraum ein fragmentiertes und sich beim Betrachten immer wieder veränderndes Stadtpanorama gezeichnet, das aus 360 locker 720 Grad (oder noch ein paar mehr) macht. Kunst kann sowas.

Früher wollten wir alle so fotografieren wie Frank, sagte Bernhard Giger, der Leiter des Kornhausforums, in seiner kurzen Einleitung. Damals wollte man weggehen, erinnert sich Robert Frank, «und das Land, das man besuchen wollte, war Amerika, more or less.» Denn die Chancen, das zu machen, was er machen wollte, waren in den USA besser.

Und so schlug sich der gebürtige Zürcher Robert Frank durch: Mit Objektfotografien für Moderevuen, für die er 25 Dollar pro Bild erhalten hat, begab sich auf Reisen, erzählt von den Kämpfen mit Redaktionen, die Fotoreportagen wollten und – vor allem – Bildlegenden unter seine Bilder texten wollten, was ihm strikt zuwider läuft («Du muesch en grind ha») und erinnert sich an «The Americans».

Und natürlich wurde auch das Tourleben mit den Rolling Stones gestreift, für die Frank den Film «Cocksucker Blues» erschaffen hat. Dieser taucht da und wann aus dem Giftschrank aus und verströmt den Kult des Verbotenen. Eine dieser raren Projektionen fand gestern im Kino Kunstmuseum statt: Frank war nicht mehr zugegen, weshalb die Vorführung noch illegaler war, Rolling-Stones-Fans, gehüllt in Memorabilien, waren natürlich auch zugegen, während auf der Leinwand das nicht allzu glamouröse Tourleben gezeigt wurde.

«Waren Sie abstinent, die einzige nüchterne Person auf der 72er-Tour der Rolling Stones?» «Well, yeah yeah, Du machst, was du kannst», antwortet der Fotograf und Regisseur Robert Frank am Samstagvormittag im Kornhausforum schelmisch. Und: «Die Tour mit den Stones war eine gute Zeit.»

Wieso denn der Film verboten wurde? Mick Jagger sagte zu Robert Frank: «Well, du hast den Keith Richards besser behandelt als mich.»
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Noch bis am Mittwoch: Die weite Robert-Frank-Retrospektive im Kino Kunstmuseum.

Zwei kantige Berner Köpfe erzählen in «Work Hard Play Hard» erfrischend direkt vom Koksen. Zunächst scheint die Personalwahl ein wenig beliebig – viel Auswahl wird der Regisseur nicht gehabt haben, denkt man. Doch je länger der Film dauert, desto klarer schält sich da ein stiller Konflikt heraus, eine ziemlich spannende Figurenkonfrontation: Hier das Party-Animal, mitten im (Berufs)Leben stehend und sich selbst seinen Konsum immer schönredend, dort das Bühnentier, das nach einem Suizidversuch tatsächlich losgekommen ist vom Pulver und sich selbst und die Droge einiges klarer im Blick hat als sein junger Gegenpart. Die beiden Erzählschienen laufen leichthin und dabei sehr aufschlussreich nebeneinander her, bis der Regisseur auf die unglückliche Idee kommt, seine Protagonisten zu einer kokstherapeutischen Plauderstunde zusammenzubringen. Da bekommt dann der Film selbst ein Koksnäschen und tut viel wichtiger als man ihn bis dahin zu nehmen bereit war. Schade drum.

Schade drum galt irgenwie sowieso in Nyon: Man wird den Eindruck nicht los, dass seit letztem Jahr (und dem Chefwechsel) ein anderer Wind weht am Visions du Réel. Die verspielte Auseinandersetzung mit Realität und Fiktion hat einem Engagement-Kino Platz machen müssen, das oft ziemlich verkrampft daherkam. Hinterfragungen des filmischen Dokomentierens gab es zwar auch (zb. hier oder hier), doch sie wirkten oft gezwungen – ein neue Ichbezogenheit ist da ins Dokumentarkino gekommen. Wollte sich der Dokumentarfilmer früher hinter der Kamera möglichst unsichtbar machen, so drängt es ihn heute unwillkürlich mit ins Bild. Das kann erhellend sein, was die Subjektivität eines jeden Blicks auf die Welt betrifft – zuweilen kommt es einem aber schlicht ziemlich eitel vor.

Unter dem Dach des herrlichen Industriebaus neben der Dampfzentrale hat das Lichtspiel eine sehr tolle neue Bleibe gefunden – hier herrscht nicht mehr Lager- oder Estrichstaubigkeit, sondern lichte Fabrikfunktionalität. Bis unters Dach war hier gearbeitet worden, davon zeugt das Glasdach, das die Räume tagsüber mit Licht flutet. Abends dann wird der Raum zur Dunkelkammer für allerlei menschgemachte Lichtspiele.

Eine zauberhafte Spielart hat gestern wieder mal der Daumenkinograph Volker Gerling gezeigt, inzwischen schon fast Stammgast in Bern. Seine Portraitfilme haben viel mit Zeit und Sprüngen zu tun, wie Gerling im Lauf des schön unaufgeregten Abends erzählte, mit Leerstellen, die in unserem Kopf zu Geschichten werden. Das Lichtspiel ist auch so eine Zeitmaschine, in der aus Zeugs und Sachen (noch ist nicht viel gezügelt, aber man kann die frühere Wunderkammer schon wieder erahnen) Erzählungen werden – Bilder, die laufen können, als hätten sie es nie zu lernen brauchen.

Am besten treffen die vier Streicher aber meinen Geschmack mit dem reduzierten Remix des Stücks «One Life?» von Patrik Zeller. Dazu hat der Gestalter Steven Götz ein verträumt schwebendes Video geschaffen.

Auch sehenswert ist die kleine Interviewrunde mit den Machern von Stück, Remix und Video.
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Das Kaleidoscope String Quartet spielt am ersten Juni im Moods im Halbfinale um den diesjährigen ZKB Jazzpreis.

Auf einer anderen Stufe besorgniserregend gestaltet sich zunehmend das Filmprogramm dieser Stadt: Filme werden nach nur zwei Wochen Spieldauer abgesetzt, während «Intouchables» gleich in zwei nachbarschaftlichen Kinos – dem Bubenberg und dem Royal – gezeigt wird. Die letzten Tage, sie kommen immer näher, auch für «Take Shelter», der wahrscheinlich nur noch bis am Mittwoch zu sehen ist.