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Das «Magasin des Suicides» hat alles im Angebot, was das lebensmüde Herz begehrt: sei es Gift, Hanfseile, Harakiri-Schwerter oder messerscharfe Rasierklingen. (Für das kleinere Budget gibt’s auch stumpfe dafür rostige Rasierklingen, damit man zumindest Tetanus kriegt.) Das Familienunternehmen Tuvache floriert, zumal im tristen, grauen und verregneten Paris die Hoffnungslosigkeit und somit die Rate an Lebensmüden enorm hoch ist, so hoch, dass sich selbst die Tauben des Lebens überdrüssig von den Telefondrähten fallen lassen.

Die Zukunft des traditionsreichen Familienbetriebs scheint also so gut wie todsicher. Wenn da bloss Nachzügler Alain nicht wäre, eine notorische Frohnatur, die so gar nicht in die Familie passen will und erst noch schlecht ist für das rabenschwarze Geschäft von Papa und Mama Tuvache.

Farbenfroh, mit viel Liebe zum Detail, Sarkasmus und skurrilem Humor kommt Patrick Lecontes «Verzeichentrickfilmung» von «Le Magasin des Suicides» daher. Der Original-Roman von Jean Teulé galt lange als unverfilmbar, Lecontes hat nun aber gezeigt, dass sich sehr wohl eine passende Bildsprache für den makaberen Plot finden lässt. Wenn da bloss die leidige Singerei nicht wäre. Da ist man schon fast froh, hört man im Kellerkino so schlecht. Nein nein, nicht etwa wegen der Soundanlage, die ist einwandfrei. Vielmehr, weil sich dort ja jeder Mensch über 1.60 Meter überlegen muss, wo er oder sie mit seinen Beinen hin soll und da faltet man diese in der Not auch mal gerne über die Ohrmuscheln hinter den Kopf.

«Le Magasin des Suicides» läuft voraussichtich noch bis Mittwoch 22. Mai jeweils um 18:45h im Kellerkino.

Bereits zum fünften Mal präsentiert die «Tour de Berne» preisgekröntes Berner Filmschaffen. Während den Monaten April und Mai werden im ganzen Kanton in ausgewählten Kinos Filme gezeigt, welche dieses Jahr mit dem Berner Filmpreis ausgezeichnet wurden, oder die als besonder sehenswert beurteilt wurden. Gestern startete die Tour de Berne im Kino Kunstmuseum mit den drei Kurzfilmen «Er/ich», «Traumfrau» und «Work Hard Play Hard».

Unterschiedlicher könnten die drei Beiträge von Karin Bachmann, Oliver Schwarz und Marcel Wyss nicht sein, was ihre Machart anbelangt. Thematisch lassen sich aber sehr wohl Bezüge herstellen, spielt doch Nähe und Distanz in zwischenmenschlichen Beziehungen bzw. der Umgang mit gesellschaftlichen Phänomenen unserer Zeit eine zentrale Rolle.
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Mutig? Ja. Konsequent? Ja. Mit einem Gespür für tolle Bilder? Ja, auch. Soll keiner sagen, Ulrich Seidl sei ein unfähiger Regisseur. Trotzdem ist Paradies: Liebe ein grauenhafter Film, schlicht und einfach. Im übertragenen (da sind sich auch alle einig, anders kann man ihn gar nicht sehen) wie leider auch im ganz eigentlichen Sinn. Wenn Sie von Kunst noch irgendetwas erwarten (ausser Achterbahnkitzel): Sparen Sie sich das. Oder schauen Sie es sich halt an, weil es so wahnsinnig radikal ist und wir vom grossen Bilderstrom so furchtbar gelangweilt, dass wir Radikalität gern Radiqualität schreiben.

Das dumme ist nur: Wenn die Radikalität wie bei Seidl so konsequent durchdekliniert und keine Möglichkeit (aber auch wirklich keine) ausgelassen wird, die Menschen in ihrer Elendig- und Kleinmütigkeit zu zeigen, dann landet man auf seltsamen Pfaden doch wieder nur: bei der Langeweile. Da passiert weiter nichts Spannendes mit den Figuren, und man sage nun nicht, das sei ja im echten Leben auch nicht anders. Das Kino ist etwas ganz anderes als das echte Leben – aber das wäre nun wiederum eine ganz andere Geschichte.

«Geschriebene Filme» heisst die aktuelle Reihe im Kino Kunstmuseum, es geht um die Kunst des Drehbuchschreibens. Gestern (und heute noch einmal) lief auch eines der grossen Rätselstücke von Tarkowskij, Nostalghia - man könnte es eine seltsame Wahl finden, weil man es da eher mit einem gemalten Film zu tun hat, einer mächtigen Bildersuche. Aber eine grosse Selbstreflektion ist das natürlich auch, wie immer bei Tarkowskij, und insofern auch eine Reflektion des Filmemachens. Wie erzählt man eine Geschichte – oder eher: was will ich bloss, mit diesem Erzählen? scheint sich der Russe die ganze Zeit zu fragen, und er scheint dabei von Film zu Film verlorener zu gehen. In Nostalghia schickt er einen russischen Poeten (oder eben sich selbst) nach Italien, dahin wo sich ja eigentlich das Glück finden liesse. Der Russe findet schöne Frauen und noch viel schönere Orte (einen Oscar für den Location Scout), aber das Glück bleibt auf der Strecke.

Es ist (auch wie immer bei Tarkowskij) eine sehr langsame Suche, nach diesem Glück – oder dem geglückten Ende des Erzählbogens. Man weiss nie recht, worauf das hinauslaufen soll, es ist Erzählen ohne Netz und doppelten Boden. Wie hat er wohl seine Drehbücher geschrieben, fragt man sich, wie hat er sich herangetastet an diese doch sehr visuellen und nach Traumlogik fortschreitenden Expeditionen? Man würde ihn gern ein wenig erzählen hören über diese Forschungsreisen, aber nun bleiben uns nur noch die Logbücher, wenn man so will. So prachtvoll illustriert haben jedenfalls nur wenige ihr Unterwegssein – ob wir die verschlungenen Wege nun nachzeichnen oder nicht.

Es kommt alles ein wenig billg daher, in aufgedonnerten Farben: ein heiterer chilenischer Film über die Rettung Chiles vor der Diktatur Augusto Pinochets – mit den Mitteln der Fernsehwerbung. Ein Film insofern auch über die «Versaublödung der Politik», war im Bund zu lesen. Der Regisseur Pablo Larraín erzählt uns da eine ziemlich exaltierte Geschichte, und das würde wohl nicht wirklich funtionieren, wenn er sie nicht auf eigentümliche Art im Dokgenre verankern könnte: Zu gut einem Drittel besteht «No!» aus Originalmaterial aus dem Jahr 1988.

Damit ist auch erklärt, warum der ganze Film in diese 80er-Jahre-Farbästhetik getaucht ist: Nicht aus übertriebenem Stilwillen, sondern damit alles wie aus einem Guss wirkt. Spannender erzählerischer Ansatz: Man nehme eine sich tatsächlich zugetragene Begebenheit (wie eine weitgehend strohdumme und dreist die Schrecken des Machtapparats mit «alegría» überpinselnde Werbekampagne ein Referendum entscheiden kann, und das gegen die Propagandamaschinerie des Staatsfernsehens), die reichlich Archivmaterial hergibt, und imaginiere in diesen Grundstock hinein die nötigen Figuren.

Wichtigster Protagonist ist da natürlich der Werber - genial und immer eine Spur gelangweilt-überheblich (da ist er vielleicht ein wenig gar simpel geraten) und überzeugend gespielt vom südamerikanischen Kinodarling Gael García Bernal. Dazu ein aalglatter Chef als regimetreuer Widersacher und eine widerborstige Ex-Frau, die eigentlich die richtige gewesen wäre: fertig ist ein Politkrimi, schön angerichtet als leichte Kost. Eben, alles ein wenig billig und knallig, aber da steckt doch einiges mehr drin – wie es ja (dummerweise) oft der Fall ist, bei richtig guter Werbung.

«Bei Chaplin bleiben alle stehen.» Gemacht wurde diese Aussage von einem Radio- und TV-Händler (Frau Feuz ist leider entfallen, wo sie diese aufgeschnappt hat) und bezog sich darauf, welche Programme bzw. Filme man am besten auf den TV-Geräten laufen lässt, die im Schaufenster ausgestellt sind, um grösstmögliche Aufmerksamkeit bei der Kundschaft zu erzielen. Chaplin also. Würden Sie auch stehenbleiben? Ich würde.

Das Kino Kunstmuseum Bern zeigt momentan in einer grossen Chaplin-Retrospektive einige der schönsten Werke von Sir Charles Spencer Chaplin Jr. Gestern wurden in «Keystone 1» Kurzfilme aus der Frühphase des Englischen Komikers gezeigt, wobei mitverfolgt werden konnte, wie dieser seine Figur des Tramps nach und nach entwickelte. In den frühsten Filmen war Chaplin nämlich noch nicht in traditioneller Kluft mit Melone, Stock, Schnäuzchen und Pinguin-Watschelgang unterwegs, sondern gab in «Making a Living» auch mal den Gentleman-Schnorrer oder in «Kid Auto Races at Venice, Cal.» eine unmögliche Nervensäge, welche die Filmaufnahmen eines Autorennens ruiniert.

Wie Martin Girod, Filmjournalist und ehemaliger Leiter des Filmpodiums Zürich, gestern in einer Einführung zu Chaplins Werk darlegte, seien im Stummfilm der damaligen Zeit zwei Spielarten vorherrschend gewesen: Eine naturalistische und eine stilisierte, z.B. im Fall von Chaplins Slapstick-Komödien eine expressiv übersteigerte. Tatsächlich ist es höchst vergnüglich Chaplin dabei zuzuschauen, wie er betrunken (die Figur des komischen Betrunkenen gehörte lange zu seinem Markenzeichen) eine Hotellobby aufmischt («Mabel’s Strange Predicament») oder auf einem Filmset Recht und Ordnung nach eigenem Gutdünken wieder herstellt («A Film Johnnie»). Allerdings werden die Purzelbäume, Arschtritte, Pirouetten und Luftsprünge in dieser Dichte mit der Zeit ein Bisschen zu viel des Guten.

Mit der Underdog-Figur von Chaplins Vagabund konnten sich Generationen identifizieren, wohl auch, weil die Welt in diesen frühen Slapstick-Komödien eine einfache ist und die Rollenverteilungen zwischen Gut und Böse, Rivalen oder Männlein und Weiblein klar definiert sind. («She is mine, I saw her first.») Chaplin schaffte es in seinen späteren Filmen aber auch, existentiellen Problemen eine Komik abzugewinnen und entwickelte sich im Verlauf seines Schaffens zu einem scharfsinnigen Beobachter, welcher bedenkliche Tendenzen und Entwicklungen vorwegnahm. Man denke nur an die Fliessbandarbeit in «Modern Times» oder an Diktator Hynkel in «The Great Dictator».

Charles Chaplin kann getrost als einer der einflussreichsten Komiker des 20. Jahrhunderts bezeichnet werden, hat er doch Generationen zum Lachen und Nachdenken gebracht und hat auch heute nicht an Aktualität verloren. Erweisen Sie ihm doch auch mal wieder die Ehre, im Kunstmuseum Bern werden seine Kurz- und Langfilme noch bis Ende März gezeigt.

Derzeit laufen mit «Hitchcock» und «Lincoln» gleich zwei Filme in den Berner Kinos, deren Nachname Marke genug für grosses Kino scheint.

Und in beiden Filmen spielen zwei höchst ehrenwerte Schauspieler die Hauptrollen: Daniel Day-Lewis gibt den grossen Präsidenten, Anthony Hopkins den «Master of Suspense». Beide spielen ihre Rolle – wie dies bei eher schrulligen, historischen Gestalten wohl unvermeidlich scheint – mit einem Überhang zum Onkelhaften, das man so machen kann, aber wohl nicht muss.

Was die Filme auch verbindet, ist Michael Stuhlbarg. Unvergessen als Larry Gopnik in «A Serious Man», beliebt auch als Arnold Rothstein in der Fernsehserie «Boardwalk Empire» sowie als Kurz-Psycho in «Seven Psychopaths», gibt Stuhlbarg in «Hitchcock» den Agenten des Regisseurs und in «Lincoln» den schwer zu knackenden Schlüssel-Abgeordneten Yeaman. Und als letzterer ist er denn auch gleich der lohnenswerteste Charakter, in einem Film, dem man nur zu gut anmerkt, dass Steven Spielberg für die Regie verantwortlich zeichnet. Zu «Hitchcock»? Die in der «Bund»-Kritik angespoilerten Szenen sind schon sehr toll, zumal auf der grossen Leinwand, auf der hoffentlich in Bälde mal wieder Michael Stuhlbarg in einer Hauptrolle zu sehen sein wird.